Zoé Cauwet | Sara y Rosa

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Ministério da Cultura y el Governo de Minas Gerais presentan:

O que acontece quando deslocamos a curadoria do julgamento universalizante para o território dos encontros?

No novo texto do Sara y Rosa, tivemos a honra de receber a pesquisadora e curadora Carla Maia para investigar o ato de ver e dar a ver como uma prática política, afetiva e coletiva. Em uma escrita profundamente cuidadosa e generosa, Carla transita entre o relato de memórias de bastidores e o mapeamento teórico para romper as imposições da “velha cinefilia”:

“Curadoria é um processo de busca, montagem e conexão que se alimenta de redes, amizades, festivais, pesquisas de muitas pessoas - muito menos que do gosto ou juízo crítico de algum gênio solitário. O livro Curadoria em cinema é prova material dessa coletividade, assim como o é este site que abriga o texto que agora escrevo - uma reunião do resultado do trabalho de muitas mãos femininas, um elogio à dimensão coletiva - e, por que não, feminista - do trabalho.”

A partir do diálogo com as proposições de outras seis pensadoras que dão corpo ao livro "Curadoria em cinema: pensamento em ação", o texto posiciona o trabalho de programação não como uma escolha técnica e neutra, mas como um gesto capaz de produzir territórios comuns de partilha.

Escutar, tensionar, fazer tremer.

🔗 Leia o texto completo em sarayrosa.com

#SarayRosa #CarlaMaia #CuradoriaEmCinema #CinemaFeminista

O que acontece quando deslocamos a curadoria do julgamento universalizante para o território dos encontros?

No novo texto do Sara y Rosa, tivemos a honra de receber a pesquisadora e curadora Carla Maia para investigar o ato de ver e dar a ver como uma prática política, afetiva e coletiva. Em uma escrita profundamente cuidadosa e generosa, Carla transita entre o relato de memórias de bastidores e o mapeamento teórico para romper as imposições da “velha cinefilia”:

“Curadoria é um processo de busca, montagem e conexão que se alimenta de redes, amizades, festivais, pesquisas de muitas pessoas - muito menos que do gosto ou juízo crítico de algum gênio solitário. O livro Curadoria em cinema é prova material dessa coletividade, assim como o é este site que abriga o texto que agora escrevo - uma reunião do resultado do trabalho de muitas mãos femininas, um elogio à dimensão coletiva - e, por que não, feminista - do trabalho.”

A partir do diálogo com as proposições de outras seis pensadoras que dão corpo ao livro "Curadoria em cinema: pensamento em ação", o texto posiciona o trabalho de programação não como uma escolha técnica e neutra, mas como um gesto capaz de produzir territórios comuns de partilha.

Escutar, tensionar, fazer tremer.

🔗 Leia o texto completo em sarayrosa.com

#SarayRosa #CarlaMaia #CuradoriaEmCinema #CinemaFeminista

No Dia do Cinema Brasileiro, a plataforma Sara y Rosa celebra, sobretudo, todas as mulheres e pessoas gênero-dissidentes que, em diferentes áreas do setor, expandem imaginários coletivos e constroem espaços de partilha e transformação mútua. Que cada vez mais tenhamos condições justas para trabalhar, sonhar e criar.

#diadocinemabrasileiro

No Dia do Cinema Brasileiro, a plataforma Sara y Rosa celebra, sobretudo, todas as mulheres e pessoas gênero-dissidentes que, em diferentes áreas do setor, expandem imaginários coletivos e constroem espaços de partilha e transformação mútua. Que cada vez mais tenhamos condições justas para trabalhar, sonhar e criar.

#diadocinemabrasileiro

No novo ensaio publicado em nosso site, escrito sob o calor da exibição de Vámonos, Bárbara (1978) no Cineclube Ibero-americano Permanente, nesta quarta-feira, dia 17 de junho, Juliana Gusman destrincha como a cineasta espanhola Cecilia Bartolomé tensiona o texto matriz de Martin Scorsese (Alice Não Mora Mais Aqui) através de um exercício de distanciamento formal e discursivo.

Longe de se curvar às estéticas do norte global, o texto de Juliana reafirma a posição do filme na cartografia ibero-americana, costurando cumplicidades com o cinema de ruptura feito por mulheres aqui:

“Talvez Vamos, Bárbara se achegue mais, na verdade, de nosso próprio road movie feminista inaugural, Mar de Rosas (1977), de Ana Carolina. [...] a Betinha de Cristina Pereira compartilha certas inadequações incendiárias com a Bárbara de Cristina Alvarez – para além da cabalística coincidencia no nome de suas intérpretes.”

Leia mais sobre a diretora e sua obra no ensaio de @juliana.gusman, escrito para o terceiro encontro do Cineclube Ibero-americano Permanente, uma parceria entre Sara y Rosa, Cine Humberto Mauro do @palaciodasartes_ e Instituto Cervantes de BH.

🔗 O ensaio completo está disponível em sarayrosa.com

#SaraYRosa #CeciliaBartolome #CinemaFeminista #CríticaFeminista

No novo ensaio publicado em nosso site, escrito sob o calor da exibição de Vámonos, Bárbara (1978) no Cineclube Ibero-americano Permanente, nesta quarta-feira, dia 17 de junho, Juliana Gusman destrincha como a cineasta espanhola Cecilia Bartolomé tensiona o texto matriz de Martin Scorsese (Alice Não Mora Mais Aqui) através de um exercício de distanciamento formal e discursivo.

Longe de se curvar às estéticas do norte global, o texto de Juliana reafirma a posição do filme na cartografia ibero-americana, costurando cumplicidades com o cinema de ruptura feito por mulheres aqui:

“Talvez Vamos, Bárbara se achegue mais, na verdade, de nosso próprio road movie feminista inaugural, Mar de Rosas (1977), de Ana Carolina. [...] a Betinha de Cristina Pereira compartilha certas inadequações incendiárias com a Bárbara de Cristina Alvarez – para além da cabalística coincidencia no nome de suas intérpretes.”

Leia mais sobre a diretora e sua obra no ensaio de @juliana.gusman, escrito para o terceiro encontro do Cineclube Ibero-americano Permanente, uma parceria entre Sara y Rosa, Cine Humberto Mauro do @palaciodasartes_ e Instituto Cervantes de BH.

🔗 O ensaio completo está disponível em sarayrosa.com

#SaraYRosa #CeciliaBartolome #CinemaFeminista #CríticaFeminista

Hoje celebramos a vida de Helena Solberg e um gesto revolucionário: os 60 anos de "A Entrevista". Considerado o filme pioneiro da produção feminista moderna no país, o curta tensionou as estruturas do casamento, do sexo e do trabalho através de vozes femininas.
Um esquenta essencial para a homenagem que ela receberá na CineOP na próxima semana. O cinema de Helena Solberg é memória viva e insurgente. 🌹

#SarayRosa #HelenaSolberg #AEntrevista

Hoje celebramos a vida de Helena Solberg e um gesto revolucionário: os 60 anos de "A Entrevista". Considerado o filme pioneiro da produção feminista moderna no país, o curta tensionou as estruturas do casamento, do sexo e do trabalho através de vozes femininas.
Um esquenta essencial para a homenagem que ela receberá na CineOP na próxima semana. O cinema de Helena Solberg é memória viva e insurgente. 🌹

#SarayRosa #HelenaSolberg #AEntrevista

La plataforma Sara y Rosa rinde homenaje a la vida de Sara Gómez.
Recordamos la expansión de una presencia revolucionaria, viva y eterna.

Celebrar a Sara es celebrar a la cineasta que revolucionó el cine cubano al entrelazar las urgencias colectivas con el poder de la intimidad. Como escribe María José Merino, en un texto publicado en el site:

“No temía a los límites de su tiempo ni a la lucha de clases en solitario, sino también a cómo esto no podía existir sin la lucha antirracista y feminista (...). Tampoco temía a los límites del cine, derribando constantemente las fronteras entre documentación y ficción (...). Pero, sobre todo, Sara nunca quiso despojar a la mirada íntima, al testimonio individual, a la acción irrepetible de esa persona dentro de un movimiento que lucha por lo colectivo”.

Su trayectoria fue un rechazo categórico al sacrificio y la frustración históricamente impuestos a las mujeres, especialmente a las mujeres negras. Sara convirtió su propio cine en un territorio del derecho a desear.

¡Larga vida a Sara Gómez!

🇧🇷
A plataforma Sara y Rosa homenageia a vida de Sara Gómez. Recordamos a expansão de uma presença viva e para sempre revolucionária.

Celebrar Sara é saudar a cineasta que revolucionou o cinema cubano ao entrelaçar urgências coletivas com as potências da intimidade. Como escreve María José Merino, em texto publicado no site:

“Não teve medo dos limites do seu tempo e falou não só da luta de classes, mas também de como esta não pode existir sem a luta anti-racista e feminista (...). Também não teve medo dos limites do cinema, quebrando constantemente as fronteiras entre o documentário e a ficção (...). Mas, acima de tudo, Sara nunca quis despojar-se da magia do olhar íntimo, do testemunho individual, da ação irrepetível de quem é pessoa dentro de um movimento que luta pelo coletivo."

Sua trajetória foi uma recusa categórica ao sacrifício e à frustração que historicamente é imposta às mulheres, especialmente às mulheres negras. Sara fez do próprio cinema um território de direito ao desejo.

Viva Sara Gómez!

#SarayRosa #SaraGomez #CineCubano #CineFeminista

La plataforma Sara y Rosa rinde homenaje a la vida de Sara Gómez.
Recordamos la expansión de una presencia revolucionaria, viva y eterna.

Celebrar a Sara es celebrar a la cineasta que revolucionó el cine cubano al entrelazar las urgencias colectivas con el poder de la intimidad. Como escribe María José Merino, en un texto publicado en el site:

“No temía a los límites de su tiempo ni a la lucha de clases en solitario, sino también a cómo esto no podía existir sin la lucha antirracista y feminista (...). Tampoco temía a los límites del cine, derribando constantemente las fronteras entre documentación y ficción (...). Pero, sobre todo, Sara nunca quiso despojar a la mirada íntima, al testimonio individual, a la acción irrepetible de esa persona dentro de un movimiento que lucha por lo colectivo”.

Su trayectoria fue un rechazo categórico al sacrificio y la frustración históricamente impuestos a las mujeres, especialmente a las mujeres negras. Sara convirtió su propio cine en un territorio del derecho a desear.

¡Larga vida a Sara Gómez!

🇧🇷
A plataforma Sara y Rosa homenageia a vida de Sara Gómez. Recordamos a expansão de uma presença viva e para sempre revolucionária.

Celebrar Sara é saudar a cineasta que revolucionou o cinema cubano ao entrelaçar urgências coletivas com as potências da intimidade. Como escreve María José Merino, em texto publicado no site:

“Não teve medo dos limites do seu tempo e falou não só da luta de classes, mas também de como esta não pode existir sem a luta anti-racista e feminista (...). Também não teve medo dos limites do cinema, quebrando constantemente as fronteiras entre o documentário e a ficção (...). Mas, acima de tudo, Sara nunca quis despojar-se da magia do olhar íntimo, do testemunho individual, da ação irrepetível de quem é pessoa dentro de um movimento que luta pelo coletivo."

Sua trajetória foi uma recusa categórica ao sacrifício e à frustração que historicamente é imposta às mulheres, especialmente às mulheres negras. Sara fez do próprio cinema um território de direito ao desejo.

Viva Sara Gómez!

#SarayRosa #SaraGomez #CineCubano #CineFeminista

Merci, Marjane 🌹

1969-2026

Merci, Marjane 🌹

1969-2026

“Em Os três desaparecimentos, as dezenas de personagens vividas por Rosni deixam de ser suas criaturas para, numa espécie de reciclagem imagética, retribuir-lhe um sopro de vida.”

No ensaio "Os três encontros de Rania Stephan", Juliana Gusman investiga a montagem como arqueologia e ressurreição política. Ao subverter o arquivo da ficção comercial masculina, o texto destrincha como o filme reconstrói Soad Hosni sem esgotar o seu mistério:

“Stephan oscila entre a opacidade autorreflexiva brechtiana do cinema experimental e a emotividade de uma cadência narrativa para jamais esgotar sua perfilada fugidia e singular que, no entanto, pela vastidão de suas agruras, poderia ser qualquer mulher do mundo. Nós também já repetimos os gestos cravados na tela mais de uma vez.”

🔗 Leia o ensaio completo em: sarayrosa.com

#SarayRosa #RaniaStephan #SoadHosni #CinemaArabeFeminino

🇪🇸

“En Las Tres Desapariciones, las decenas de personajes vividas por Rosni dejan de ser sus criaturas para, en una especie de reciclaje imagético, retribuirle un soplo de vida.”

En el ensayo "Los tres encuentros de Rania Stephan", Juliana Gusman investiga el montaje como arqueología y resurrección política. Al subvertir el archivo de la ficción comercial masculina, el texto desentraña cómo la película reconstruye a Soad Hosni sin agotar su misterio:

“Stephan oscila entre la opacidad autorreflexiva brechtiana del cine experimental y la emotividad de una cadencia narrativa para jamás agotar su perfilada fugitiva y singular que, sin embargo, por la vastedad de sus penurias, podría ser cualquier mujer del mundo. Nosotras también ya hemos repetido los gestos clavados en la pantalla más de una vez.”

🔗 Lee el ensayo completo en: sarayrosa.com

“Em Os três desaparecimentos, as dezenas de personagens vividas por Rosni deixam de ser suas criaturas para, numa espécie de reciclagem imagética, retribuir-lhe um sopro de vida.”

No ensaio "Os três encontros de Rania Stephan", Juliana Gusman investiga a montagem como arqueologia e ressurreição política. Ao subverter o arquivo da ficção comercial masculina, o texto destrincha como o filme reconstrói Soad Hosni sem esgotar o seu mistério:

“Stephan oscila entre a opacidade autorreflexiva brechtiana do cinema experimental e a emotividade de uma cadência narrativa para jamais esgotar sua perfilada fugidia e singular que, no entanto, pela vastidão de suas agruras, poderia ser qualquer mulher do mundo. Nós também já repetimos os gestos cravados na tela mais de uma vez.”

🔗 Leia o ensaio completo em: sarayrosa.com

#SarayRosa #RaniaStephan #SoadHosni #CinemaArabeFeminino

🇪🇸

“En Las Tres Desapariciones, las decenas de personajes vividas por Rosni dejan de ser sus criaturas para, en una especie de reciclaje imagético, retribuirle un soplo de vida.”

En el ensayo "Los tres encuentros de Rania Stephan", Juliana Gusman investiga el montaje como arqueología y resurrección política. Al subvertir el archivo de la ficción comercial masculina, el texto desentraña cómo la película reconstruye a Soad Hosni sin agotar su misterio:

“Stephan oscila entre la opacidad autorreflexiva brechtiana del cine experimental y la emotividad de una cadencia narrativa para jamás agotar su perfilada fugitiva y singular que, sin embargo, por la vastedad de sus penurias, podría ser cualquier mujer del mundo. Nosotras también ya hemos repetido los gestos clavados en la pantalla más de una vez.”

🔗 Lee el ensayo completo en: sarayrosa.com

O cinema documental é, antes de tudo, um exercício de escuta profunda e de partilha de tempos. No novo ensaio publicado em nosso site, a cineasta Joana Oliveira revisita a trajetória de Morada, seu primeiro longa que recentemente completou 15 anos.

O texto narra as complexas camadas de registrar a resistência de sua avó, Virgínia, diante de uma iminente desapropriação na região da Lagoinha, em Belo Horizonte - uma violência disfarçada de progresso que assombrou a dinâmica daquela família por cinquenta anos.

Nesse sensível encontro entre o arquivo íntimo e as transformações agressivas da cidade, Joana reflete sobre a própria postura de direção e a beleza de se deixar distender e transformar pela personagem:

“Mais tarde, fui entender que dirigir um filme não é sobre controlar, é sim guiar e escolher os caminhos da narrativa.”

Diante dos desafios éticos e formais da montagem, o ensaio nos convida a pensar como a linguagem do filme precisou abdicar das pressões do mercado para abraçar o ritmo da vida real e conseguir, de fato, dar corpo àquela espera:

“Quando pensava no filme, pensava em minha avó fazendo seu crochê sem pressa, contando seus casos com o seu humor próprio e suas pausas dramáticas, cantando suas canções sempre com muito prazer e felicidade, performando. O filme não tinha o tempo de minha avó, e como o tempo era importante para esse filme! Era um filme sobre uma ameaça de desapropriação que se estendia por mais de 50 anos. Os planos precisavam de maior duração.”

Uma leitura essencial sobre as políticas do olhar, a memória insurgente de nossas cidades e as potências afetivas do cinema.

🔗 Leia o ensaio completo em sarayrosa.com

#SarayRosa #JoanaOliveira #CinemaFeminino #Documentario

O cinema documental é, antes de tudo, um exercício de escuta profunda e de partilha de tempos. No novo ensaio publicado em nosso site, a cineasta Joana Oliveira revisita a trajetória de Morada, seu primeiro longa que recentemente completou 15 anos.

O texto narra as complexas camadas de registrar a resistência de sua avó, Virgínia, diante de uma iminente desapropriação na região da Lagoinha, em Belo Horizonte - uma violência disfarçada de progresso que assombrou a dinâmica daquela família por cinquenta anos.

Nesse sensível encontro entre o arquivo íntimo e as transformações agressivas da cidade, Joana reflete sobre a própria postura de direção e a beleza de se deixar distender e transformar pela personagem:

“Mais tarde, fui entender que dirigir um filme não é sobre controlar, é sim guiar e escolher os caminhos da narrativa.”

Diante dos desafios éticos e formais da montagem, o ensaio nos convida a pensar como a linguagem do filme precisou abdicar das pressões do mercado para abraçar o ritmo da vida real e conseguir, de fato, dar corpo àquela espera:

“Quando pensava no filme, pensava em minha avó fazendo seu crochê sem pressa, contando seus casos com o seu humor próprio e suas pausas dramáticas, cantando suas canções sempre com muito prazer e felicidade, performando. O filme não tinha o tempo de minha avó, e como o tempo era importante para esse filme! Era um filme sobre uma ameaça de desapropriação que se estendia por mais de 50 anos. Os planos precisavam de maior duração.”

Uma leitura essencial sobre as políticas do olhar, a memória insurgente de nossas cidades e as potências afetivas do cinema.

🔗 Leia o ensaio completo em sarayrosa.com

#SarayRosa #JoanaOliveira #CinemaFeminino #Documentario

Os Três Desaparecimentos de Soad Hosni (2011) será exibido nesta quinta, dia 28/05, na Mostra de Cinema Árabe Feminino e Juliana Gusman irá conduzir a conversa acerca da obra de Rania Stephan e da trajetória da atriz egípcia Soad Hosni. A Mostra acontece entre os dias 27 e 31 de maio, no Cine Santa Tereza, em Belo Horizonte. Confira a programação completa em @cinema_arabefeminino

🔗 Para mais debates sobre cinema feminista acesse: sarayrosa.com

Os Três Desaparecimentos de Soad Hosni (2011) será exibido nesta quinta, dia 28/05, na Mostra de Cinema Árabe Feminino e Juliana Gusman irá conduzir a conversa acerca da obra de Rania Stephan e da trajetória da atriz egípcia Soad Hosni. A Mostra acontece entre os dias 27 e 31 de maio, no Cine Santa Tereza, em Belo Horizonte. Confira a programação completa em @cinema_arabefeminino

🔗 Para mais debates sobre cinema feminista acesse: sarayrosa.com

Aplicamos as notas de Vanessa Santos sobre afeto, escuta e montagem de mundos possíveis para aproximar imagens e cineastas iberoamericanas.

Como fazer uma escuta curatorial expandida e reconfigurar o olhar do público?

Aqui, revisitamos debates fundamentais da nossa trajetória sobre a ética de programar. No site, essa investigação ganha novos horizontes no ensaio de Vanessa Santos, na entrevista com Cíntia Gil e na metacrítica de Carla Italiano sobre urgências e políticas de uma curadoria contemporânea e feminista.

🔗 Para ficar por dentro de todas as nossas publicações, assine nossa newsletter em: sarayrosa.com

#SarayRosa #LeGrandCalao #Curadoria #CinemaFeminista CinemaIberoAmerican

Aplicamos as notas de Vanessa Santos sobre afeto, escuta e montagem de mundos possíveis para aproximar imagens e cineastas iberoamericanas.

Como fazer uma escuta curatorial expandida e reconfigurar o olhar do público?

Aqui, revisitamos debates fundamentais da nossa trajetória sobre a ética de programar. No site, essa investigação ganha novos horizontes no ensaio de Vanessa Santos, na entrevista com Cíntia Gil e na metacrítica de Carla Italiano sobre urgências e políticas de uma curadoria contemporânea e feminista.

🔗 Para ficar por dentro de todas as nossas publicações, assine nossa newsletter em: sarayrosa.com

#SarayRosa #LeGrandCalao #Curadoria #CinemaFeminista CinemaIberoAmerican

“Curar não é apenas escolher filmes; [...] é, antes de tudo, um exercício de escuta ao que pede passagem.”
Neste texto, Vanessa Santos defende a curadoria enquanto um campo relacional. Partindo da obra "Le Grand Calao", ela nos convida a romper com a lógica da exaustão e a enxergar o descanso como um gesto radical de resistência.
“Entre afetos, silêncios e partilhas, vai sendo tecida uma ode ao tempo feminino, numa atmosfera que desafia o peso do cotidiano e que irradia o desejo de existir fora das obrigações.”
Para Vanessa, o olhar curatorial é uma construção que atravessa memórias, desejos e a urgência de criar condições de aparecimento para narrativas historicamente marginalizadas. Aqui, programar filmes torna-se um ato de desobediência visual que recusa o fardo e reivindica o prazer.
Uma proposta essencial para quem pensa o cinema como um território vivo de disputas simbólicas e políticas.
🔗 Leia o texto completo em sarayrosa.com
#SarayRosa #VanessaSantos #Curadoria #CinemaNegro #PoliticasDoOlhar #LeGrandCalao
🇪🇸
“Curar no es meramente elegir películas; [...] es, sobretodo, un ejercicio de escucha de aquello que busca abrirse paso.”
En este texto, Vanessa Santos defiende por la curaduría como un campo relacional. Tomando como referencia la obra "Le Grand Calao", ella nos invita a romper con la lógica del agotamiento y a concebir el descanso como un gesto radical de resistencia.
“Entre afectos, silencios y actos de compartir, se teje una oda al tiempo femenino; todo ello en una atmósfera que desafía el peso de lo cotidiano y irradia el deseo de existir más allá de la obligación”.
Para Vanessa, la mirada curatorial es un constructo que atraviesa memorias, deseos y la urgencia de crear las condiciones propicias para el surgimiento de narrativas históricamente marginadas. Aquí, la programación de películas se convierte en un acto de desobediencia visual que rechaza la carga y reivindica el placer.
Una propuesta imprescindible para todo aquel que conciba el cine como un territorio vivo de disputa simbólica y política.
🔗 Lee el texto completo en sarayrosa.com

“Curar não é apenas escolher filmes; [...] é, antes de tudo, um exercício de escuta ao que pede passagem.”
Neste texto, Vanessa Santos defende a curadoria enquanto um campo relacional. Partindo da obra "Le Grand Calao", ela nos convida a romper com a lógica da exaustão e a enxergar o descanso como um gesto radical de resistência.
“Entre afetos, silêncios e partilhas, vai sendo tecida uma ode ao tempo feminino, numa atmosfera que desafia o peso do cotidiano e que irradia o desejo de existir fora das obrigações.”
Para Vanessa, o olhar curatorial é uma construção que atravessa memórias, desejos e a urgência de criar condições de aparecimento para narrativas historicamente marginalizadas. Aqui, programar filmes torna-se um ato de desobediência visual que recusa o fardo e reivindica o prazer.
Uma proposta essencial para quem pensa o cinema como um território vivo de disputas simbólicas e políticas.
🔗 Leia o texto completo em sarayrosa.com
#SarayRosa #VanessaSantos #Curadoria #CinemaNegro #PoliticasDoOlhar #LeGrandCalao
🇪🇸
“Curar no es meramente elegir películas; [...] es, sobretodo, un ejercicio de escucha de aquello que busca abrirse paso.”
En este texto, Vanessa Santos defiende por la curaduría como un campo relacional. Tomando como referencia la obra "Le Grand Calao", ella nos invita a romper con la lógica del agotamiento y a concebir el descanso como un gesto radical de resistencia.
“Entre afectos, silencios y actos de compartir, se teje una oda al tiempo femenino; todo ello en una atmósfera que desafía el peso de lo cotidiano y irradia el deseo de existir más allá de la obligación”.
Para Vanessa, la mirada curatorial es un constructo que atraviesa memorias, deseos y la urgencia de crear las condiciones propicias para el surgimiento de narrativas históricamente marginadas. Aquí, la programación de películas se convierte en un acto de desobediencia visual que rechaza la carga y reivindica el placer.
Una propuesta imprescindible para todo aquel que conciba el cine como un territorio vivo de disputa simbólica y política.
🔗 Lee el texto completo en sarayrosa.com

¿Qué pasaría si Venus fuera una mujer que vive en la oscuridad?

En el nuevo ensayo de Sara y Rosa, Gabriela Larocca investiga cómo "Las Amantes del Señor de la Noche" rompe con el ideal romántico para poner el placer y el poder femenino en el lugar del oculto.

¿Quieres conocer más del cine de horror hecho por mujeres?

🔗 Lee el ensayo completo en: sarayrosa.com

#SarayRosa #IselaVega #CineMexicano #LasAmantesDelSeñorDeLaNoche #FeminismoIberoAmericano

¿Qué pasaría si Venus fuera una mujer que vive en la oscuridad?

En el nuevo ensayo de Sara y Rosa, Gabriela Larocca investiga cómo "Las Amantes del Señor de la Noche" rompe con el ideal romántico para poner el placer y el poder femenino en el lugar del oculto.

¿Quieres conocer más del cine de horror hecho por mujeres?

🔗 Lee el ensayo completo en: sarayrosa.com

#SarayRosa #IselaVega #CineMexicano #LasAmantesDelSeñorDeLaNoche #FeminismoIberoAmericano

Em 1983, Isela Vega realizou uma obra que desafiou o tempo e as convenções de gênero.

“Embora ressignifique o conceito da bruxaria de forma singular e ousada, ‘Las Amantes del Señor de la Noche’ permanece, de certa forma, relegada ao desconhecido, sendo raramente citada em pesquisas e artigos que discutem o audiovisual mexicano.”

Para além do esquecimento, o ensaio de Gabriela Larocca revela como Vega utiliza o sobrenatural para romper o silêncio imposto por uma sociedade conservadora. Em sua direção, a magia deixa de ser vilania para se tornar a única linguagem possível de autonomia.

“Isela Vega oferece uma visão peculiar em que esse ser mítico não é unicamente um monstro ou uma
antagonista, mas uma mulher real, ferida e perdida que recorre ao oculto em busca de agência.”

Um convite para repensar o cinema ibero-americano e as mulheres que desafiaram seus destinos, transformando o estigma em resistência.

🔗 Leia o ensaio completo em sarayrosa.com
#SarayRosa #IselaVega #LasAmantesdelSeñordelaNoche #CinemaMexicano #BruxaNoCinema

ES

En 1983, Isela Vega creó una obra que desafió las convenciones de tiempo y género.
"Aunque reinterpreta el concepto de brujería de una manera única y audaz, 'Las Amantes del Señor de la Noche' permanece, en cierto sentido, relegada al olvido, raras veces citada en investigaciones y artículos que analizan los medios audiovisuales mexicanos.”

Más allá del olvido, el ensayo de Gabriela Larocca revela cómo Vega utiliza lo sobrenatural para romper el silencio impuesto por una sociedad conservadora. En su opinión, la magia deja de ser sinónimo de maldad y se convierte en el único lenguaje posible de autonomía.

“Isela Vega ofrece una perspectiva única en la que este ser mítico no es simplemente un monstruo o un antagonista, sino una mujer real, herida y perdida, que recurre a lo oculto en busca de autonomía.”

Una invitación a repensar el cine iberoamericano y las mujeres que desafiaron sus destinos, transformando el estigma en resistencia.

🔗Lee el ensayo completo en sarayrosa.com

Em 1983, Isela Vega realizou uma obra que desafiou o tempo e as convenções de gênero.

“Embora ressignifique o conceito da bruxaria de forma singular e ousada, ‘Las Amantes del Señor de la Noche’ permanece, de certa forma, relegada ao desconhecido, sendo raramente citada em pesquisas e artigos que discutem o audiovisual mexicano.”

Para além do esquecimento, o ensaio de Gabriela Larocca revela como Vega utiliza o sobrenatural para romper o silêncio imposto por uma sociedade conservadora. Em sua direção, a magia deixa de ser vilania para se tornar a única linguagem possível de autonomia.

“Isela Vega oferece uma visão peculiar em que esse ser mítico não é unicamente um monstro ou uma
antagonista, mas uma mulher real, ferida e perdida que recorre ao oculto em busca de agência.”

Um convite para repensar o cinema ibero-americano e as mulheres que desafiaram seus destinos, transformando o estigma em resistência.

🔗 Leia o ensaio completo em sarayrosa.com
#SarayRosa #IselaVega #LasAmantesdelSeñordelaNoche #CinemaMexicano #BruxaNoCinema

ES

En 1983, Isela Vega creó una obra que desafió las convenciones de tiempo y género.
"Aunque reinterpreta el concepto de brujería de una manera única y audaz, 'Las Amantes del Señor de la Noche' permanece, en cierto sentido, relegada al olvido, raras veces citada en investigaciones y artículos que analizan los medios audiovisuales mexicanos.”

Más allá del olvido, el ensayo de Gabriela Larocca revela cómo Vega utiliza lo sobrenatural para romper el silencio impuesto por una sociedad conservadora. En su opinión, la magia deja de ser sinónimo de maldad y se convierte en el único lenguaje posible de autonomía.

“Isela Vega ofrece una perspectiva única en la que este ser mítico no es simplemente un monstruo o un antagonista, sino una mujer real, herida y perdida, que recurre a lo oculto en busca de autonomía.”

Una invitación a repensar el cine iberoamericano y las mujeres que desafiaron sus destinos, transformando el estigma en resistencia.

🔗Lee el ensayo completo en sarayrosa.com

Hoje celebramos as maternidades que existem apesar do apagamento.

Em 1972, Norma Bahia Pontes e Rita Moreira filmaram Lesbian Mothers, um curta pioneiro que abriu brechas para imaginar outras formas de família, afeto e existência lésbica no cinema.

Décadas depois, esse gesto ainda reverbera no que Lui Nascimento chama de “cinema sapatão brasileiro contemporâneo”: um cinema feito de alianças, desejo, coletividade e sobrevivência.

“Passamos, assim, boa parte do século XX in/visibilizades, assistindo a filmes que nos frustravam com narrativas opressoras, buscando desesperadamente por qualquer brecha que mostrasse nossas existências.” - Lui Nascimento

🔗 Para mergulhar nessa trajetória, leia nosso novo ensaio:
“Por entre as brechas sapatônicas no cinema brasileiro”, de Lui Nascimento.

Na íntegra em sarayrosa.com

#SaraYRosa #LesbianMothers #CinemaSapatao #CinemaQueer #DiaDasMães

Hoje celebramos as maternidades que existem apesar do apagamento.

Em 1972, Norma Bahia Pontes e Rita Moreira filmaram Lesbian Mothers, um curta pioneiro que abriu brechas para imaginar outras formas de família, afeto e existência lésbica no cinema.

Décadas depois, esse gesto ainda reverbera no que Lui Nascimento chama de “cinema sapatão brasileiro contemporâneo”: um cinema feito de alianças, desejo, coletividade e sobrevivência.

“Passamos, assim, boa parte do século XX in/visibilizades, assistindo a filmes que nos frustravam com narrativas opressoras, buscando desesperadamente por qualquer brecha que mostrasse nossas existências.” - Lui Nascimento

🔗 Para mergulhar nessa trajetória, leia nosso novo ensaio:
“Por entre as brechas sapatônicas no cinema brasileiro”, de Lui Nascimento.

Na íntegra em sarayrosa.com

#SaraYRosa #LesbianMothers #CinemaSapatao #CinemaQueer #DiaDasMães

“Sou um corpo dissidente do (cis)tema de sexo-gênero (…) Habito fronteiras.”

Neste ensaio, @luignascimento parte de si para atravessar o cinema: da ausência de referências à urgência de se ver em cena, das representações estereotipadas à construção de um cinema sapatão brasileiro contemporâneo, feito por quem vive essas experiências.

Entre apagamentos, “in/visibilidades” e narrativas marcadas por violência, o texto revela também as brechas — filmes, gestos e alianças que transformam o cinema em espaço de existência, desejo e criação.

“Há um senso de urgência que acompanha esse desejo […] urgência de falar para nós, por nós, mas também de gritar ao mundo quem somos e quem podemos ser.”

Um mergulho sensível e político em um cinema que se constrói no afeto, na coletividade e na invenção de outras possibilidades de vida.

🔗 Leia na íntegra em sarayrosa.com

#SaraYRosa #CinemaSapatão #CinemaQueer #CríticaFeminista #CinemaBrasileiro

🇪🇸

Entre las brechas sápatonas en el cine brasileño Por Lui Nascimento

“Soy un cuerpo disidente del (cis)tema de sexo-género (…) Habito fronteras.”

En este ensayo, Lui Nascimento parte de su propia experiencia para atravesar el cine: desde la ausencia de referentes hasta la urgencia de verse en pantalla, de las representaciones estereotipadas a la construcción de un cine lesbiano contemporáneo en Brasil.

Entre invisibilidades y narrativas marcadas por la violencia, el texto también revela las grietas — películas, gestos y alianzas que transforman el cine en un espacio de deseo, existencia y creación.

“Hay una urgencia […] de hablar para nosotres, por nosotres, pero también de gritar al mundo quiénes somos y quiénes podemos ser.”

Un recorrido sensible y político por un cine que se construye desde el afecto, la colectividad y la invención de otros mundos posibles.

🔗 Lee el texto completo en sarayrosa.com

Imagens dos filmes “Peixe” (2019) de @ygcf_ysmn e “Minha história é outra” (2019) de Mariana Campos

“Sou um corpo dissidente do (cis)tema de sexo-gênero (…) Habito fronteiras.”

Neste ensaio, @luignascimento parte de si para atravessar o cinema: da ausência de referências à urgência de se ver em cena, das representações estereotipadas à construção de um cinema sapatão brasileiro contemporâneo, feito por quem vive essas experiências.

Entre apagamentos, “in/visibilidades” e narrativas marcadas por violência, o texto revela também as brechas — filmes, gestos e alianças que transformam o cinema em espaço de existência, desejo e criação.

“Há um senso de urgência que acompanha esse desejo […] urgência de falar para nós, por nós, mas também de gritar ao mundo quem somos e quem podemos ser.”

Um mergulho sensível e político em um cinema que se constrói no afeto, na coletividade e na invenção de outras possibilidades de vida.

🔗 Leia na íntegra em sarayrosa.com

#SaraYRosa #CinemaSapatão #CinemaQueer #CríticaFeminista #CinemaBrasileiro

🇪🇸

Entre las brechas sápatonas en el cine brasileño Por Lui Nascimento

“Soy un cuerpo disidente del (cis)tema de sexo-género (…) Habito fronteras.”

En este ensayo, Lui Nascimento parte de su propia experiencia para atravesar el cine: desde la ausencia de referentes hasta la urgencia de verse en pantalla, de las representaciones estereotipadas a la construcción de un cine lesbiano contemporáneo en Brasil.

Entre invisibilidades y narrativas marcadas por la violencia, el texto también revela las grietas — películas, gestos y alianzas que transforman el cine en un espacio de deseo, existencia y creación.

“Hay una urgencia […] de hablar para nosotres, por nosotres, pero también de gritar al mundo quiénes somos y quiénes podemos ser.”

Un recorrido sensible y político por un cine que se construye desde el afecto, la colectividad y la invención de otros mundos posibles.

🔗 Lee el texto completo en sarayrosa.com

Imagens dos filmes “Peixe” (2019) de @ygcf_ysmn e “Minha história é outra” (2019) de Mariana Campos

Marisol Aguila Bettancourt @marisolaguila analiza el nuevo documental de Karin Cuyul. Un ejercicio de arqueología visual que recupera el color de la memoria chilena y vincula la historia política con el cuerpo y el linaje femenino.
La gran Historia finalmente pasa por el cuerpo.

🔗 Crítica completa en www.sarayrosa.com

#SaraYRosa #KarinCuyul #CineFeminista #Chile #Memoria

🇧🇷
De que cor será a vida que virá? 🎥

Marisol Aguila Bettancourt escreve sobre o novo filme de Karin Cuyul. Uma investigação sobre a memória política do Chile através de arquivos íntimos e vozes femininas, unindo a macropolítica ao corpo e ao afeto.

A grande História finalmente passa pelo corpo.

🔗 Leia em www.sarayrosa.com

Marisol Aguila Bettancourt @marisolaguila analiza el nuevo documental de Karin Cuyul. Un ejercicio de arqueología visual que recupera el color de la memoria chilena y vincula la historia política con el cuerpo y el linaje femenino.
La gran Historia finalmente pasa por el cuerpo.

🔗 Crítica completa en www.sarayrosa.com

#SaraYRosa #KarinCuyul #CineFeminista #Chile #Memoria

🇧🇷
De que cor será a vida que virá? 🎥

Marisol Aguila Bettancourt escreve sobre o novo filme de Karin Cuyul. Uma investigação sobre a memória política do Chile através de arquivos íntimos e vozes femininas, unindo a macropolítica ao corpo e ao afeto.

A grande História finalmente passa pelo corpo.

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"A censura perpetrada pelo regime repressor na Argentina dos anos 1970 privou Leonor Vitali, personagem de Luisina Brando em Señora de Nadie (1982), de alguns excessos. Maria Luísa Bemberg teve que readequar o primeiro roteiro que ousou filmar, no cume dos seus cinquenta anos, para preservar a impertinência da dona de casa que se confronta com o cinismo insustentável da família burguesa. Retomando-o após o seu engavetamento compulsório de meia década e de uma outra estreia em longa-metragem com o não menos acintoso Momentos (1981), Bemberg, sob resquícios dos receios impostos, moderou-se na figuração de desejos femininos recém-despertos. Chegou ao ponto de imaginar um desfecho comodamente redentor, no qual a protagonista, que abandona marido e filhos no primeiro ato da obra, retorna à redoma de vidro do lar. Contudo, Bemberg, uma das realizadoras pioneiras de seu país, agarrou-se na convicção típica das transgressoras e preservou o seu final inconclusivo: a vida da mulher que transborda para o extracampo da cena matrimonial segue transcorrendo, sem amarras, para além dos limites da narrativa fílmica. Mesmo sob o hálito quente da ditadura à sua nuca, Maria Luísa deu-lhe os ombros e seguiu, também, os seus rumos irrestritos."

🌹Leia mais sobre a diretora e sua obra no ensaio de @juliana.gusman, escrito para o segundo encontro do
Cineclube Ibero-americano Permanente, uma parceria entre Sara y Rosa, Cine Humberto Mauro do @palaciodasartes_ e Instituto Cervantes de BH.

🔗 O artigo completo está disponível em sarayrosa.com

#SaraYRosa #MariaLuisaBemberg #CinemaFeminista #CríticaFeminista #cinedemujeres

"A censura perpetrada pelo regime repressor na Argentina dos anos 1970 privou Leonor Vitali, personagem de Luisina Brando em Señora de Nadie (1982), de alguns excessos. Maria Luísa Bemberg teve que readequar o primeiro roteiro que ousou filmar, no cume dos seus cinquenta anos, para preservar a impertinência da dona de casa que se confronta com o cinismo insustentável da família burguesa. Retomando-o após o seu engavetamento compulsório de meia década e de uma outra estreia em longa-metragem com o não menos acintoso Momentos (1981), Bemberg, sob resquícios dos receios impostos, moderou-se na figuração de desejos femininos recém-despertos. Chegou ao ponto de imaginar um desfecho comodamente redentor, no qual a protagonista, que abandona marido e filhos no primeiro ato da obra, retorna à redoma de vidro do lar. Contudo, Bemberg, uma das realizadoras pioneiras de seu país, agarrou-se na convicção típica das transgressoras e preservou o seu final inconclusivo: a vida da mulher que transborda para o extracampo da cena matrimonial segue transcorrendo, sem amarras, para além dos limites da narrativa fílmica. Mesmo sob o hálito quente da ditadura à sua nuca, Maria Luísa deu-lhe os ombros e seguiu, também, os seus rumos irrestritos."

🌹Leia mais sobre a diretora e sua obra no ensaio de @juliana.gusman, escrito para o segundo encontro do
Cineclube Ibero-americano Permanente, uma parceria entre Sara y Rosa, Cine Humberto Mauro do @palaciodasartes_ e Instituto Cervantes de BH.

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#SaraYRosa #MariaLuisaBemberg #CinemaFeminista #CríticaFeminista #cinedemujeres

Anote na agenda: o próximo encontro do Cineclube Ibero-americano Permanente acontece na próxima semana, no dia 1 de abril, quarta-feira, às 19h! Nos reuniremos mais uma vez no Cine Humberto Mauro para debater a obra de uma das mais incríveis realizadoras da América Latina, quiçá do mundo: Maria Luísa Bemberg.

Qual filme da realizadora argentina você acha que iremos exibir?

Enquanto esperamos por essa sessão super especial, que conta com comentários da nossa coordenadora editorial, @juliana.gusman, conheça um pouco mais sobre a trajetória de Bemberg!

O Cineclube é uma parceria entre a plataforma Sara y Rosa, o Cine Humberto Mauro do @palaciodasartes_
e o @institutocervantesbh. A entrada é gratuita! Esperamos você🌹🔥❤️‍🔥

Anote na agenda: o próximo encontro do Cineclube Ibero-americano Permanente acontece na próxima semana, no dia 1 de abril, quarta-feira, às 19h! Nos reuniremos mais uma vez no Cine Humberto Mauro para debater a obra de uma das mais incríveis realizadoras da América Latina, quiçá do mundo: Maria Luísa Bemberg.

Qual filme da realizadora argentina você acha que iremos exibir?

Enquanto esperamos por essa sessão super especial, que conta com comentários da nossa coordenadora editorial, @juliana.gusman, conheça um pouco mais sobre a trajetória de Bemberg!

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¿Y si dejáramos de escribir personajes queer como si el dolor fuera su única herencia?

Este ensayo nace de una pregunta urgente: cómo imaginar historias donde los personajes queer puedan respirar, jugar, equivocarse y desear, sin que el castigo sea su destino narrativo inevitable.

A partir de la experiencia del taller Héroes Disidentes, Gael Bonilla y Leda Artavia proponen pensar otras formas de protagonismo: imaginar una épica queer que no reproduzca ni héroes idealizados ni villanes trágicos.

Entre cartas, historias compartidas y escritura colectiva, el proceso abre un espacio donde los personajes pueden transformarse, enamorarse, cambiar de rumbo — y donde la imaginación se expande en comunidad.

“Escribir es un ejercicio solitario. Pero una película empieza verdaderamente a existir cuando la contamos en voz alta y alguien más es capaz de verla con nosotres.”

🔗 Lee el texto completo en sarayrosa.com

#SaraYRosa #CineQueer #EscrituraColectiva #CríticaFeminista #CineIberoamericano

🇧🇷

E se deixássemos de escrever personagens queer como se a dor fosse sua única herança?

Este ensaio nasce de uma urgência: imaginar histórias onde personagens queer possam respirar, brincar, errar e desejar, sem que o castigo seja seu destino narrativo inevitável.

A partir da experiência do ateliê Heróis Dissidentes, Gael Bonilla e Leda Artavia propõem repensar o protagonismo: imaginar uma epopeia queer que não nos reduza nem a heróis idealizados nem a vilões trágicos.
Entre cartas, histórias compartilhadas e escrita coletiva, o processo abre um espaço onde personagens podem se transformar, se apaixonar e reinventar seus caminhos — onde a imaginação se expande em comunidade.

“Escrever é um exercício solitário. Mas um filme começa verdadeiramente a existir quando o contamos em voz alta e alguém mais é capaz de vê-lo conosco.”

🔗 Leia o texto completo em sarayrosa.com

¿Y si dejáramos de escribir personajes queer como si el dolor fuera su única herencia?

Este ensayo nace de una pregunta urgente: cómo imaginar historias donde los personajes queer puedan respirar, jugar, equivocarse y desear, sin que el castigo sea su destino narrativo inevitable.

A partir de la experiencia del taller Héroes Disidentes, Gael Bonilla y Leda Artavia proponen pensar otras formas de protagonismo: imaginar una épica queer que no reproduzca ni héroes idealizados ni villanes trágicos.

Entre cartas, historias compartidas y escritura colectiva, el proceso abre un espacio donde los personajes pueden transformarse, enamorarse, cambiar de rumbo — y donde la imaginación se expande en comunidad.

“Escribir es un ejercicio solitario. Pero una película empieza verdaderamente a existir cuando la contamos en voz alta y alguien más es capaz de verla con nosotres.”

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#SaraYRosa #CineQueer #EscrituraColectiva #CríticaFeminista #CineIberoamericano

🇧🇷

E se deixássemos de escrever personagens queer como se a dor fosse sua única herança?

Este ensaio nasce de uma urgência: imaginar histórias onde personagens queer possam respirar, brincar, errar e desejar, sem que o castigo seja seu destino narrativo inevitável.

A partir da experiência do ateliê Heróis Dissidentes, Gael Bonilla e Leda Artavia propõem repensar o protagonismo: imaginar uma epopeia queer que não nos reduza nem a heróis idealizados nem a vilões trágicos.
Entre cartas, histórias compartilhadas e escrita coletiva, o processo abre um espaço onde personagens podem se transformar, se apaixonar e reinventar seus caminhos — onde a imaginação se expande em comunidade.

“Escrever é um exercício solitário. Mas um filme começa verdadeiramente a existir quando o contamos em voz alta e alguém mais é capaz de vê-lo conosco.”

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A plataforma Sara y Rosa promove sua segunda oficina de crítica cinematográfica com foco em perspectivas feministas, agora, em formato online 🔥🔥🔥

Partindo das condições históricas, políticas e materiais para o surgimento do cinema de mulheres dos anos 1960 e 1970, apresentaremos uma breve cartografia das teorias feministas do cinema, do contracinema vanguardista e experimental e do documentário militante intervencionista, com foco nas produções, artísticas e intelectuais, latino-americanas.

Em seguida, discutiremos a crítica e a curadoria como gestos de reescritura de uma (contra)história do nosso cinema. Ao final do curso, as participantes poderão produzir um ensaio crítico a partir da filmografia debatida e/ou apresentar uma proposta curatorial, sob consultoria da facilitadora, a pesquisadora Juliana Gusman.

As participantes terão acesso a materiais exclusivos e certificado mediante participação das atividades.

📅Datas: 15, 22 e 29 de abril

⏰️Horário: 19h30 as 21h30

✍️Carga horária total: 6h

🎬Investimento: R$ 190,00

🌹Inscrições: Link na bio

ATÉ 30 DE MARÇO

📍*O link para a sala virtual será enviado às pessoas inscritas na véspera do curso*

A plataforma Sara y Rosa promove sua segunda oficina de crítica cinematográfica com foco em perspectivas feministas, agora, em formato online 🔥🔥🔥

Partindo das condições históricas, políticas e materiais para o surgimento do cinema de mulheres dos anos 1960 e 1970, apresentaremos uma breve cartografia das teorias feministas do cinema, do contracinema vanguardista e experimental e do documentário militante intervencionista, com foco nas produções, artísticas e intelectuais, latino-americanas.

Em seguida, discutiremos a crítica e a curadoria como gestos de reescritura de uma (contra)história do nosso cinema. Ao final do curso, as participantes poderão produzir um ensaio crítico a partir da filmografia debatida e/ou apresentar uma proposta curatorial, sob consultoria da facilitadora, a pesquisadora Juliana Gusman.

As participantes terão acesso a materiais exclusivos e certificado mediante participação das atividades.

📅Datas: 15, 22 e 29 de abril

⏰️Horário: 19h30 as 21h30

✍️Carga horária total: 6h

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ATÉ 30 DE MARÇO

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A plataforma Sara y Rosa e a produtora Abre Caminho Filmes, que acumula oito anos de experiência no mercado cinematográfico com foco no desenvolvimento de projetos inovadores, oferecem uma vaga de estágio para pessoas interessadas na escrita crítica, na produção de conteúdos e, claro, nos cinemas feitos por mulheres e pessoas corpo-dissidentes na Ibero-américa.

✍️ Atribuições: Planejamento e produção de conteúdos para redes sociais; auxílio em elaboração de projetos para editais; produção de textos para a plataforma Sara y Rosa.

🎬 Remuneração: Bolsa de R$ 300 mensais + serviços de consultoria e revisão para projetos pessoais.

⏰️ Carga horária: 20 horas semanais. Horário a combinar.

📍Local: Remoto

Para se inscrever, envie um e-mail para contatosarayrosa@gmail.com até o dia 22 de março com seu currículo e um texto crítico de sua autoria.

Conhece alguém que se interessaria por essa oportunidade? Marque nos comentários e compartilhe!

A plataforma Sara y Rosa e a produtora Abre Caminho Filmes, que acumula oito anos de experiência no mercado cinematográfico com foco no desenvolvimento de projetos inovadores, oferecem uma vaga de estágio para pessoas interessadas na escrita crítica, na produção de conteúdos e, claro, nos cinemas feitos por mulheres e pessoas corpo-dissidentes na Ibero-américa.

✍️ Atribuições: Planejamento e produção de conteúdos para redes sociais; auxílio em elaboração de projetos para editais; produção de textos para a plataforma Sara y Rosa.

🎬 Remuneração: Bolsa de R$ 300 mensais + serviços de consultoria e revisão para projetos pessoais.

⏰️ Carga horária: 20 horas semanais. Horário a combinar.

📍Local: Remoto

Para se inscrever, envie um e-mail para contatosarayrosa@gmail.com até o dia 22 de março com seu currículo e um texto crítico de sua autoria.

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Nossa coordenadora editorial, @juliana.gusman, assina a curadoria da mostra "As Faces da Showgirl: desejo e ruínas", que reúne 42 filmes de mais de um século de cinema entre os dias 4 e 31 de março no Cine Humberto Mauro, em Belo Horizonte.

"A showgirl é uma entidade quase mística que enfeitiça o cinema de tempos em tempos. Este termo, consolidado pelo glamour dos vaudevilles do início do século passado, deu nome e corpo às mulheres que, partindo da commedia dell’arte proto-burlesca da Itália, passando pela boemia francesa institucionalizada pelos cabarés até chegar à plasticidade das folies nova-iorquinas, epitomariam, à primeira vista, objetos fetichizados do “olhar masculino”. Entre os anos 1930 e 1950, os grandes estúdios da Era de Ouro de Hollywood cristalizaram fascínios em torno de um ideal – branco, belo e luminoso –, capaz não apenas de incendiar desejos inconfessos, mas de atiçar paixões nacionalistas em torno da sedutora grandeza de uma nação. This was America.

Contudo, a busca pelo prazer visual – unificador de identidades e patriotismos viris –, discutida pioneiramente pela teórica Laura Mulvey há cinquenta anos, pode se encruzilhar com miradas monstruosas que transformam os homens em pedras. A palavra “fetiche”, afinal, pressupõe encantamentos – mas nem sempre conjura-se magias dóceis. Como Medusas, algumas profissionais da ilusão e do sonho conseguiram mobilizar performances sexuais da hiperfeminilidade em favor dos seus anseios libertários, revelando que a “América” gloriosa que concretizou o imaginário da showgirl, era, ele mesmo, um desatino. Das ruínas do espetáculo patriarcal, criaturas furtivas e desobedientes forjaram outros modos de habitar a luz e a sombra de ribaltas fílmicas".

Leia o texto curatorial completo em sarayrosa.com🌹❤️‍🔥

A programação completa você encontra no site e na bio do @palaciodasartes_

Nossa coordenadora editorial, @juliana.gusman, assina a curadoria da mostra "As Faces da Showgirl: desejo e ruínas", que reúne 42 filmes de mais de um século de cinema entre os dias 4 e 31 de março no Cine Humberto Mauro, em Belo Horizonte.

"A showgirl é uma entidade quase mística que enfeitiça o cinema de tempos em tempos. Este termo, consolidado pelo glamour dos vaudevilles do início do século passado, deu nome e corpo às mulheres que, partindo da commedia dell’arte proto-burlesca da Itália, passando pela boemia francesa institucionalizada pelos cabarés até chegar à plasticidade das folies nova-iorquinas, epitomariam, à primeira vista, objetos fetichizados do “olhar masculino”. Entre os anos 1930 e 1950, os grandes estúdios da Era de Ouro de Hollywood cristalizaram fascínios em torno de um ideal – branco, belo e luminoso –, capaz não apenas de incendiar desejos inconfessos, mas de atiçar paixões nacionalistas em torno da sedutora grandeza de uma nação. This was America.

Contudo, a busca pelo prazer visual – unificador de identidades e patriotismos viris –, discutida pioneiramente pela teórica Laura Mulvey há cinquenta anos, pode se encruzilhar com miradas monstruosas que transformam os homens em pedras. A palavra “fetiche”, afinal, pressupõe encantamentos – mas nem sempre conjura-se magias dóceis. Como Medusas, algumas profissionais da ilusão e do sonho conseguiram mobilizar performances sexuais da hiperfeminilidade em favor dos seus anseios libertários, revelando que a “América” gloriosa que concretizou o imaginário da showgirl, era, ele mesmo, um desatino. Das ruínas do espetáculo patriarcal, criaturas furtivas e desobedientes forjaram outros modos de habitar a luz e a sombra de ribaltas fílmicas".

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Na noite de estreia do Cineclube Ibero-americano Permanente, o público pôde conhecer e se deliciar com o melodrama feminista de Matilde Landeta, a única mulher a dirigir longas-metragens na Era de Ouro do cinema mexicano, entre os anos 1940 e 1950. Reposicionando as mulheres no centro da narrativa fílmica, Landeta rasurou códigos de linguagem e desafiou noções consolidadas e patriarcais da mexicanidade.

Saiba mais sobre o trabalho visionário desta cineasta com os ensaios de @juliana.gusman, nossa coordenadora editorial, @zarakloosinnaro e @camilla_baier , publicados em sarayrosa.com🌹🔥

E já marque na agenda: nosso próximo encontro acontece no dia 1 de abril, às 19h.

Já tem o seu palpite? 🇦🇷

#cinedemujeres
#cinehumbertomauro
#sarayrosa
@institutocervantesbh

Na noite de estreia do Cineclube Ibero-americano Permanente, o público pôde conhecer e se deliciar com o melodrama feminista de Matilde Landeta, a única mulher a dirigir longas-metragens na Era de Ouro do cinema mexicano, entre os anos 1940 e 1950. Reposicionando as mulheres no centro da narrativa fílmica, Landeta rasurou códigos de linguagem e desafiou noções consolidadas e patriarcais da mexicanidade.

Saiba mais sobre o trabalho visionário desta cineasta com os ensaios de @juliana.gusman, nossa coordenadora editorial, @zarakloosinnaro e @camilla_baier , publicados em sarayrosa.com🌹🔥

E já marque na agenda: nosso próximo encontro acontece no dia 1 de abril, às 19h.

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Entre octubre y diciembre de 2025, el colectivo feminista Invisible Women llevó por el Reino Unido un programa itinerante con cuatro películas del Cine de Oro mexicano, en el marco de la campaña del BFI: Too Much: Melodrama on Screen.

En estas notas del programa, Camilla Baier recorre el melodrama como territorio de exceso, ambivalencia y disputa: un género “demasiado” emocional, “demasiado” femenino, y precisamente por eso capaz de exponer las grietas del orden moral que dice sostener—y de abrir un espacio para la expresión femenina en pantalla y detrás de la cámara.

🔗 Texto completo en sarayrosa.com

#SaraYRosa #CineMexicano #Melodrama #CineFeminista #CríticaFeminista

🇧🇷
Entre outubro e dezembro de 2025, o coletivo feminista Invisible Women circulou pelo Reino Unido com um programa itinerante de quatro filmes da Era de Ouro do cinema mexicano, como parte da campanha do BFI: Too Much: Melodrama on Screen.

Nestas notas do programa, Camilla Baier revisita o melodrama como linguagem do “excesso”: um gênero historicamente tratado como “demais” — emocional, romântico, feminino — e justamente por isso capaz de revelar as contradições do México moderno e as fissuras do regime moral que essas narrativas ajudaram a construir.

🔗 Leia em sarayrosa.com

Entre octubre y diciembre de 2025, el colectivo feminista Invisible Women llevó por el Reino Unido un programa itinerante con cuatro películas del Cine de Oro mexicano, en el marco de la campaña del BFI: Too Much: Melodrama on Screen.

En estas notas del programa, Camilla Baier recorre el melodrama como territorio de exceso, ambivalencia y disputa: un género “demasiado” emocional, “demasiado” femenino, y precisamente por eso capaz de exponer las grietas del orden moral que dice sostener—y de abrir un espacio para la expresión femenina en pantalla y detrás de la cámara.

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🇧🇷
Entre outubro e dezembro de 2025, o coletivo feminista Invisible Women circulou pelo Reino Unido com um programa itinerante de quatro filmes da Era de Ouro do cinema mexicano, como parte da campanha do BFI: Too Much: Melodrama on Screen.

Nestas notas do programa, Camilla Baier revisita o melodrama como linguagem do “excesso”: um gênero historicamente tratado como “demais” — emocional, romântico, feminino — e justamente por isso capaz de revelar as contradições do México moderno e as fissuras do regime moral que essas narrativas ajudaram a construir.

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Nos anos 90, a italiana Teresa de Lauretis foi a primeira a enunciar a palavra "queer" para designar uma epistemologia revoltosa que já insurgia dos movimentos sociais e da ruas. Bebeu da rebeldia das dissidências sexuais e de gênero para dar vocabulário às nossas lutas.

Uma das pensadoras dedicadas a forjar uma teoria feminista de cinema nos anos 1980, professora emérita da Universidade da Califórnia e autora de obras matriciais como "Alice Doesn't" e "Technologies of gender", De Lauretis partiu neste início de fevereiro.

A plataforma Sara y Rosa celebra sua vida e legado, hoje e sempre 🌹

Nos anos 90, a italiana Teresa de Lauretis foi a primeira a enunciar a palavra "queer" para designar uma epistemologia revoltosa que já insurgia dos movimentos sociais e da ruas. Bebeu da rebeldia das dissidências sexuais e de gênero para dar vocabulário às nossas lutas.

Uma das pensadoras dedicadas a forjar uma teoria feminista de cinema nos anos 1980, professora emérita da Universidade da Califórnia e autora de obras matriciais como "Alice Doesn't" e "Technologies of gender", De Lauretis partiu neste início de fevereiro.

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“En el cine de la mexicana hay personajes que desafían la pureza como valor absoluto.”

Este texto revisita la obra de Matilde Landeta, una de las primeras directoras del cine mexicano clásico, y su gesto radical de situar la experiencia femenina en el centro del melodrama, del proyecto nacional y de la historia.

Desde Lola Casanova hasta La negra Angustias, Landeta introduce ambigüedad, deseo y decisión allí donde el cine hegemónico exigía sacrificio, moral y expiación. Sus mujeres no encarnan la pureza: encarnan conflictos, elecciones y contradicciones.

Un ensayo sobre género, nación y cine, y sobre cómo “la experiencia femenina deja de estar mediada por la mitología del star system” para volverse política.

🔗 Lee el texto completo en sarayrosa.com

#SaraYRosa #MatildeLandeta #CineMexicano #CineFeminista #CríticaFeminista

🇧🇷

“No cinema da mexicana há personagens que desafiam a pureza como valor absoluto.”

Este ensaio revisita a obra de Matilde Landeta, uma das primeiras diretoras do cinema mexicano clássico, e seu gesto radical de colocar a experiência feminina no centro do melodrama, do projeto nacional e da história.

De Lola Casanova a La negra Angustias, Landeta introduz ambiguidade, desejo e decisão onde o cinema hegemônico exigia sacrifício, moral e expiação. Suas mulheres não encarnam a pureza: encarnam conflito, escolha e contradição.

Um texto sobre gênero, nação e cinema — e sobre como “a experiência feminina deixa de ser mediada pela mitologia do star system” para se tornar política.

🔗 Leia o texto completo em sarayrosa.com

“En el cine de la mexicana hay personajes que desafían la pureza como valor absoluto.”

Este texto revisita la obra de Matilde Landeta, una de las primeras directoras del cine mexicano clásico, y su gesto radical de situar la experiencia femenina en el centro del melodrama, del proyecto nacional y de la historia.

Desde Lola Casanova hasta La negra Angustias, Landeta introduce ambigüedad, deseo y decisión allí donde el cine hegemónico exigía sacrificio, moral y expiación. Sus mujeres no encarnan la pureza: encarnan conflictos, elecciones y contradicciones.

Un ensayo sobre género, nación y cine, y sobre cómo “la experiencia femenina deja de estar mediada por la mitología del star system” para volverse política.

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#SaraYRosa #MatildeLandeta #CineMexicano #CineFeminista #CríticaFeminista

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“No cinema da mexicana há personagens que desafiam a pureza como valor absoluto.”

Este ensaio revisita a obra de Matilde Landeta, uma das primeiras diretoras do cinema mexicano clássico, e seu gesto radical de colocar a experiência feminina no centro do melodrama, do projeto nacional e da história.

De Lola Casanova a La negra Angustias, Landeta introduz ambiguidade, desejo e decisão onde o cinema hegemônico exigia sacrifício, moral e expiação. Suas mulheres não encarnam a pureza: encarnam conflito, escolha e contradição.

Um texto sobre gênero, nação e cinema — e sobre como “a experiência feminina deixa de ser mediada pela mitologia do star system” para se tornar política.

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Mulheres da rua, contrabandistas do cinema Por Juliana Gusman

“Os hiatos criativos que, por vários motivos, lhes foram impostos, sempre assombraram as mulheres que se lançam ao cinema.”

Neste ensaio, Juliana Gusman percorre a obra e a trajetória de Matilde Landeta, cineasta pioneira que, como tantas outras, precisou “contrabandear” sua presença em um campo cultural forjado e guardado por homens.

Entre melodrama, nacionalismo, prostituição e dissenso, Landeta desloca o olhar ao “retirar as mulheres da passividade objetificante projetada pela mirada masculina” e colocar a subjetividade feminina no centro da ação fílmica.

📽️ Texto integrante do Cineclube Ibero-americano Permanente, uma parceria entre Sara y Rosa, Cine Humberto Mauro e Instituto Cervantes.

🔗 Leia o ensaio completo em sarayrosa.com

#SaraYRosa #MatildeLandeta #CinemaFeminista #CríticaFeminista

🇪🇸
✨ Mujeres de la calle, contrabandistas del cine Por Juliana Gusman

“Los hiatos creativos que, por diversos motivos, les fueron impuestos, siempre han acechado a las mujeres que se lanzan al cine.”

En este ensayo, Juliana Gusman recorre la obra y la trayectoria de Matilde Landeta, cineasta pionera que, como tantas otras, debió “contrabandear” su presencia en un campo cultural forjado y custodiado por hombres.

Entre melodrama, nacionalismo, prostitución y disenso, Landeta desplaza la mirada al “retirar a las mujeres de la pasividad objetificante proyectada por la mirada masculina” y situar la subjetividad femenina en el centro de la acción fílmica.

📽️ Texto integrante del Cineclub Iberoamericano Permanente, una alianza entre Sara y Rosa, Cine Humberto Mauro e Instituto Cervantes.

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Mulheres da rua, contrabandistas do cinema Por Juliana Gusman

“Os hiatos criativos que, por vários motivos, lhes foram impostos, sempre assombraram as mulheres que se lançam ao cinema.”

Neste ensaio, Juliana Gusman percorre a obra e a trajetória de Matilde Landeta, cineasta pioneira que, como tantas outras, precisou “contrabandear” sua presença em um campo cultural forjado e guardado por homens.

Entre melodrama, nacionalismo, prostituição e dissenso, Landeta desloca o olhar ao “retirar as mulheres da passividade objetificante projetada pela mirada masculina” e colocar a subjetividade feminina no centro da ação fílmica.

📽️ Texto integrante do Cineclube Ibero-americano Permanente, uma parceria entre Sara y Rosa, Cine Humberto Mauro e Instituto Cervantes.

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✨ Mujeres de la calle, contrabandistas del cine Por Juliana Gusman

“Los hiatos creativos que, por diversos motivos, les fueron impuestos, siempre han acechado a las mujeres que se lanzan al cine.”

En este ensayo, Juliana Gusman recorre la obra y la trayectoria de Matilde Landeta, cineasta pionera que, como tantas otras, debió “contrabandear” su presencia en un campo cultural forjado y custodiado por hombres.

Entre melodrama, nacionalismo, prostitución y disenso, Landeta desplaza la mirada al “retirar a las mujeres de la pasividad objetificante proyectada por la mirada masculina” y situar la subjetividad femenina en el centro de la acción fílmica.

📽️ Texto integrante del Cineclub Iberoamericano Permanente, una alianza entre Sara y Rosa, Cine Humberto Mauro e Instituto Cervantes.

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"Quando Juliana Antunes e Camila Matos sobem ao palco do Cine-Tenda para receber um prêmio carregando um cartaz em que se lê “políticas públicas para diretoras”, com um cifrão circulado em vermelho, lembrei-me de Matilde Landeta. Tenho estudado sua obra nos últimos meses. Landeta foi a única mulher a dirigir um longa-metragem na Era de Ouro do cinema mexicano, entre os anos 1940 e 1950. Precisou assistir em roteiro e direção de mais de 70 filmes até que os burocratas dos estúdios lhe dessem aval para seguir com seu primeiro projeto autoral. Mesmo assim, sem dinheiro. Vendeu o carro, hipotecou a casa e pediu favor a conhecidos para fundar a própria produtora, a TACSA. 'Lola Casanova' foi lançado em 1948 com atraso, depois de um boicote de mais de ano. Estreou, proposital e cruelmente, numa terça-feira esvaziada de Semana Santa. Com 'La Negra Angustias', de 1950, e 'Trotacalles', de 1951, as dificuldades se mantiveram coladas à sua teimosia ferina. Seu melodrama de cabaré proto-feminista, que por iniciativa da plataforma Sara y Rosa, será exibido pela primeira vez em Belo Horizonte na próxima semana, foi a ponta de um hiato que se estendeu por quatro décadas. 'Nocturno a rosário' foi lançado em 1991, antecedendo em oito anos a morte de Landeta.

Seus adversários seguem vivos."

Leia o artigo completo de @juliana.gusman em sarayrosa.com 🔥

"Quando Juliana Antunes e Camila Matos sobem ao palco do Cine-Tenda para receber um prêmio carregando um cartaz em que se lê “políticas públicas para diretoras”, com um cifrão circulado em vermelho, lembrei-me de Matilde Landeta. Tenho estudado sua obra nos últimos meses. Landeta foi a única mulher a dirigir um longa-metragem na Era de Ouro do cinema mexicano, entre os anos 1940 e 1950. Precisou assistir em roteiro e direção de mais de 70 filmes até que os burocratas dos estúdios lhe dessem aval para seguir com seu primeiro projeto autoral. Mesmo assim, sem dinheiro. Vendeu o carro, hipotecou a casa e pediu favor a conhecidos para fundar a própria produtora, a TACSA. 'Lola Casanova' foi lançado em 1948 com atraso, depois de um boicote de mais de ano. Estreou, proposital e cruelmente, numa terça-feira esvaziada de Semana Santa. Com 'La Negra Angustias', de 1950, e 'Trotacalles', de 1951, as dificuldades se mantiveram coladas à sua teimosia ferina. Seu melodrama de cabaré proto-feminista, que por iniciativa da plataforma Sara y Rosa, será exibido pela primeira vez em Belo Horizonte na próxima semana, foi a ponta de um hiato que se estendeu por quatro décadas. 'Nocturno a rosário' foi lançado em 1991, antecedendo em oito anos a morte de Landeta.

Seus adversários seguem vivos."

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No entardecer da Mostra de Cinema de Tiradentes, nossa coordenadora editoral, Juliana Gusman, escreve sobre as relações entre três filmes e suas masculinidades em crise: "Grão", de Gianluca Cozza e Leandro da Rosa, "Obeso mórbido", de Diego Bauer e "Kakxop pahok: as crianças cegas", de Cassiano Maxacali e Charles Bicalho.

"Acordo de madrugada com o casal do quarto ao lado discutindo acaloradamente sobre o ar condicionado, para seguir a uma trepada morna. A garota se contém, enquanto o rapaz emite murmúrios de autocongratulação. Entre os intervalos das rangidas ágeis de uma cama velha, ele solta palavrões para entumecer a própria macheza. Lembro-me de três filmes vistos nesta semana em Tiradentes e, contra a natureza sagrada do meu sono e a esbórnia profana da noite festiva, faço o impensável e começo a escrever."

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#universoprodução #mostradecinemadetiradentes #mostradetiradentes @universoproducao @atticomunicacao #eufaçoamostra

No entardecer da Mostra de Cinema de Tiradentes, nossa coordenadora editoral, Juliana Gusman, escreve sobre as relações entre três filmes e suas masculinidades em crise: "Grão", de Gianluca Cozza e Leandro da Rosa, "Obeso mórbido", de Diego Bauer e "Kakxop pahok: as crianças cegas", de Cassiano Maxacali e Charles Bicalho.

"Acordo de madrugada com o casal do quarto ao lado discutindo acaloradamente sobre o ar condicionado, para seguir a uma trepada morna. A garota se contém, enquanto o rapaz emite murmúrios de autocongratulação. Entre os intervalos das rangidas ágeis de uma cama velha, ele solta palavrões para entumecer a própria macheza. Lembro-me de três filmes vistos nesta semana em Tiradentes e, contra a natureza sagrada do meu sono e a esbórnia profana da noite festiva, faço o impensável e começo a escrever."

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